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ACTIVITY GALLERY WEEKEND

Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019 Barcelona Gallery Weekend 10-13.10.2019
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ADN Galería

5994 is just a number

5994 es sólo un número, el número de días que han pasado desde que ADN Galeria abriera sus puertas el 13 de mayo de 2003 en la calle Enric Granados 49. Ahora sus puertas seguirán abiertas en la calle Mallorca 205. En el marco del Barcelona Gallery Weekend 2019, presentamos una exposición colectiva con los artistas para los que trabajamos; algunos desde el inicio, y otros que se han ido incorporando con los años.

La nueva sede de ADN Galeria dará cabida en sus más de 500 m2 a diferentes espacios expositivos, almacén, oficinas, residencia y archivo. Este nuevo espacio implica el avance de ADN Galeria en la dirección que ha marcado su trayectoria desde su fundación: funcionar como una plataforma híbrida entre mediación comercial y aportación cultural para contribuir a la difusión de tendencias artísticas contemporáneas, fomentando así la reflexión sobre cuestiones socio-políticas actuales.

Abdelkader Benchamma

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Abdelkader Benchamma (Mazamet, Francia, 1975) ha construido a lo largo de los años un corpus de obras que oscila entre el street art, el diseño gráfico y el dibujo contemporáneo. Sus obras toman como referencia el dibujo clásico, el modelado científico y el cómic, así como también la estampa japonesa, la pintura y la literatura.

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Los dibujos de Benchamma se transforman como resultado de una profunda reflexión y experimentación sobre el volumen, la masa y la metamorfosis. Son dibujos dinámicos ejecutados con delicadeza que exploran la representación de diferentes estados de materia. Los acontecimientos salen de la página. Sus escenas revela la pureza y la intensidad de las líneas para expresar las atmósferas poderosas y ambiguas que demuestran las nociones de una realidad estable. Benchamma usa técnicas variadas para explorar el aspecto construido de la realidad, inspirado por la cosmología, la ciencia ficción, la literatura y el teatro existencialista.

Adrian Melis

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Adrian Melis (La Havana, Cuba, 1985) toma como punto de partida las actuales circunstancias socioeconómicas en Cuba y en Europa y considera cómo el cambio de status quo afecta la vida de las personas y, además, las formas en que las sociedades operan dentro de sus marcos estructurales.

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A partir de cuestiones de desempleo, ineficiencia burocrática, corrupción corporativa y política, crea mecanismos en los que las experiencias e historias de terceros se integran en la producción o ejecución de su trabajo. Su metodología inculca en las obras cualidades irónicas y absurdas, al tiempo que permite la manifestación de elementos de ausencia, ya sean formales o simbólicos. Inspirado por la falta de motivación y productividad en Cuba, Melis también experimenta con la creación de oportunidades de empleo temporal factibles tanto en el hogar como en Europa. Sus trabajos toman la forma de fotografía, video e instalaciones.

Avelino Sala

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(Gijón, España, 1972)

Su trabajo como artista le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social con una mirada crítica y poco cómoda en un continuo explorar el imaginario social y político e intentar buscar las grietas a través del poder del arte como generador de espacios de experimentación capaces de recrear nuevas realidades.

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Ha participado en bienales como la Bienal de Vídeo Arte de Puebla en México (2014); Bienal de Istmo Centro Americano de Guatemala (2014) o la Bienal de la Imagen en Movimiento en Buenos Aires (2018). Su obra se ha presentado en distintas exposiciones colectivas nacionales e internacionales, destacando entre las últimas The Global Symbol (2018, Centro Niemeyer, Avilés); Riot Paintings (2017, Ethan Cohen Fine Arts, Nueva York); This perfect day (2017, galería Gema Llamazares, Gijón); y Dreams and Realities (2017, White Concepts galley, Berlin).

Bouchra Khalili

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(Casablanca, Marruecos, 1975)

Bouchra Khalili es una artista visual nacida en Marruecos y asentada en Berlín. Estudió cine en la Sorbonne Nouvelle y artes visuales en la École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy. Su práctica basada en el cine, la instalación, la fotografía y el grabado, articula el lenguaje, la subjetividad, la oralidad y las exploraciones geográficas.

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Cada uno de sus proyectos investiga estrategias y discursos de resistencia elaborados, desarrollados y narrados por individuos que a menudo forman parte de minorías políticas invisibilizados por el modelo del Estado-nación. Su trabajo se ha mostrado en numerosas exposiciones internacionales, como en documenta 14, la 55ª Bienal de Venecia, la 18ª Bienal de Sydney, la 10ª Bienal de Sharjah, la 6ª Bienal de Marrakech. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Bellas Artes (Boston), en la Galería Nacional Jeu de Paume (París), en el Museo Folkwang (Essen), en la Secesión (Viena), en el Centro de las Artes Wexner, en el MoMA (Nueva York), MACBA (Barcelona), Palais de Tokyo, entre otros.

Bruno Peinado

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(Montpellier, Francia, 1970)

Como algunos de los llamados artistas post-productivos, Bruno Peinado desafía, sin ser cínico, el sistema de intercambio capitalista de equivalencia recodificando libremente la mercancía del signo. Trabaja con varios medios y técnicas, y suele desarrollar su práctica in situ, creando un diálogo entre los objetos artísticos y el entorno.

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Peinado juega con la cultura popular, sus emblemas, sus mensajes y la memoria colectiva, para recrear un ambiente simbólico y sincrético. Se interesa asimismo por cuestiones como la identidad, la transmisión, el legado y la comunidad. También apropia y homenajea el trabajo de artistas que le han inspirado: de Supports-surfaces al suprematismo, los minimalistas californianos o el movimiento Color Field. Ha expuesto varias veces en bienales como la de Lyon, Sao Paulo e Istanbul, y en numerosos centros de arte o museos como La Force de l'art en el Grand Palais, el Swiss Institute of New York, el Migros Museum de Zurich, el Palais de Tokyo en Paris o el Casino de Luxemburgo, entre otros.

Carlos Aires

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El trabajo de Carlos Aires (Ronda-España, 1974) está inspirado en la experiencia personal y las obsesiones; la colisión con una existencia contradictoria, y a veces absurda, se transpone a sus obras de arte.

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Aires muestra una realidad incómoda a través de bellas y atractivas producciones, llevando al espectador hacia un entendimiento de múltiples capas para descubrir una dimensión perturbadora y políticamente incorrecta más allá de la apariencia. Da un giro semántico a los iconos y valores establecidos recontextualizando las materias primas ya preparadas, empleando objetos frágiles pero cargados (viejos discos de vinilo, papel, monedas) y señalando una posición crítica hacia la sociedad neoliberal contemporánea.

Carlos Pazos

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Carlos Pazos (Barcelona, 1949) es una figura emblemática por su singularidad en la Historia del arte contemporáneo español. Creador heterogéneo, su trabajo alberga Neo-dadaismo, arte povera, surrealismo, la estética de los ready-made de Marcel Duchamp, los combines de Robert Rauschenberg y el análisis institucional de Marcel Broodthaers.

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Sin embargo, aun y las referencias y ecos a otras prácticas, su trabajo sigue siendo inclasificable en medio del carácter normativo de la crítica de arte. Aunque su trabajo lleva en la superficie un marcado sentido del humor, también es profundamente dramático. Pazos confirma el fracaso de la modernidad y cuestiona cualquier sistema de representación: la imagen ya no puede evocar ninguna realidad y el ego nace de la ficción. El artista se esconde detrás de una variedad de máscaras y, a través del uso de souvenirs y objetos, convierte el arte del coleccionismo en uno de sus temas principales de su práctica artística. Con una estética kitsch, combina la poética del objeto con la ironía y la máscara narcisista.

Daniel i Geo Fuchs

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Las imágenes fotográficas de la pareja de artistas artistas Daniel y Geo Fuchs (Alzenau-Alemania, 1966 / Frankfurt-Alemania, 1969) ejercen una atracción especial.

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Esta fascinación es particularmente notable en las fotografías de color enmarcadas de gran formato. Ellos usan su cámara para coleccionar. Su enfoque es francamente científico y su brillantez técnica y meticulosidad refuerzan su intención más íntima de conservar el mundo lo más completamente posible en su atención al detalle. Sus trabajos han sido presentados en Kunsthalle Viena, Austria (2011), Museo de Bellas Artes, Santander (2009), FOAM Fotografiemuseum de Amsterdam (2008), La Virreina, Barcelona (2007), Museo Villa Stuck, München (2006), Fotoforum West , Innsbruck (2005), y Forum de l'Image, Toulouse (2004), entre otros.

DEMOCRACIA

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Desde sus inicios en 2006, el colectivo afincado en Madrid ha desarrollado su producción artística a partir de proyectos en colaboración con diferentes colectivos de dentro y fuera del mundo del arte.

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Los resultados de estos proyectos se formalizan en gran número de ocasiones a partir de intervenciones en el espacio público que dan visibilidad a reivindicaciones de carácter social, y películas exhibidas en festivales y centros de arte. Para DEMOCRACIA la finalidad principal de su actividad artística está en el rastreo y la puesta en evidencia de las estrategias corruptas del Estado. Promoviendo un arte que sale al encuentro del espectador, llevan a cabo una crítica del sistema capitalista basada en la denuncia de una sociedad contemporánea profundamente desequilibrada.

Domènec

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Domènech (Mataró, Barcelona, 1962) ha creado una obra escultórica, fotográfica, instalaciones e intervenciones en el espacio público, que toman el proyecto arquitectónico como una de las construcciones imaginarias más complejas de la modernidad.

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Ha realizado numerosas exposiciones y proyectos in situ en diferentes países como Irlanda, México, Bélgica, Francia, Italia, Estados Unidos, Israel, Palestina, Argentina, Finlandia, Japón o Brasil. Sus obras han sido mostradas entre otros lugares en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York, en el Hammer Museum de Los Angeles o en Storefront for Art and Architecture de Nueva York. Co-editor de la publicación de arte, arquitectura y espacio público Roulotte. Miembro del consejo de dirección de Can Xalant, Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró.

Eugenio Merino

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(Madrid, 1975)

Las obras de Eugenio Merino se equilibran entre creencias e incredulidad, paradojas y lógicas, gusto y mal gusto, respeto y ofensa.

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El artista a menudo asume un papel cínico y revela visiones incómodas de las sociedades contemporáneas. A lo largo de su carrera, Merino ha demostrado la capacidad de establecer un trabajo transdisciplinario, capaz de fusionar diferentes medios como la escultura neorrealista, pinturas, dibujos o instalaciones. Encuentra inspiración en un imaginario popular y en los medios de comunicación que combina con medios dialécticos, metafóricos y metonímicos para ensamblar sus obras de arte. La oposición de realidades diferentes, así como los referentes y símbolos dispares, también generan diferentes formas posibles de leer su producción artística. Los elementos provenientes de la iconografía del siglo XXI y los estereotipos culturales que han dado forma al pensamiento occidental se pueden encontrar en sus obras de arte con un sentido añadido de ironía ácida y sarcasmo discursivo.

Federico Solmi

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(Bolonia, Itália, 1973)

El trabajo de Solmi investiga las contradicciones en las narraciones históricas que han llevado a la sociedad a una era caótica de desinformación en la que la realidad de los medios, las celebridades, la cultura popular y el consumismo en la civilización occidental establecen un mundo extremo y absurdo caracterizado por la corrupción y la hipocresía.

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Solmi explota las tecnologías emergentes para revelar las hipocresías en la sociedad contemporánea, haciendo del arte el comentario político y social un medio para interrumpir la estructura de poder de nuestra era tecnológica. Escaneando sus pinturas en un motor de juego, Solmi enfrenta a la audiencia con su propia reescritura absurda de eventos pasados y presentes. Su trabajo ha sido incluido en varias Bienales internacionales, entre ellas: Open Spaces: A Kansa City Arts Experience (2018), la Beijing Media Art Biennale (2016), Frankfurt B3 Biennial of the Moving image (2017-2015), la Shenzhen Animation Biennial en China (2013), 54ª Bienal de Venecia (2011) y SITE Santa Fe Biennial en Nuevo México (2010).

Igor Eskinja

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Igor Eskinja (Rijeka, Croacia, 1975) recrea objetos y situaciones, captando la transición íntima y silenciosa de la apariencia formal bidimensional a la tridimensional.

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Utilizando materiales simples y económicos, como cintas adhesivas o cables eléctricos, Eškinja define otra cualidad que va más allá de los aspectos físicos y entra en los registros de lo imaginativo y lo imperceptible. La naturaleza efímera de las estructuras espaciales del artista manifiesta una resistencia a las narrativas dominantes del aparato institucional y el orden socio-político. Ha expuesto en Manifesta 7, Italia (2008); 28 Bienal Grafični, Liubliana (2009); Dirt, en Wellcome Foundation, Londres (2011), Rearview Mirror, en Power Plant Gallery, Toronto (2011), Inhabitants of generic places, en Kunstforum, Austria; en el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, en 2011.

Jordi Colomer

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Desde sus inicios el trabajo de Jordi Colomer (Barcelona, 1962) ha ido incorporando a una visión singular de la escultura elementos de los dispositivos escénicos.

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Desde 1997 ha privilegiado el uso de la fotografía y la vídeoinstalación. Sus primeros vídeos toman forma de micronarraciones de raíz beckettiana, donde los habitantes se debaten con objetos, decorados y espacios artificiales. En un segundo período estos personajes recorren las calles o el desierto con gestos y derivas que -con un cierto sentido del absurdo- contagian un marcado espíritu crítico, para indagar finalmente en las posibilidades de supervivencia poética en la ciudad contemporánea. La obra de Colomer ha sido mostrada en numerosas exposiciones individuales. Entre otras: en la 57 Bienal de Venecia, en el Matadero Madrid, en el Bronx Museum of the Arts, Nueva York, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, en el ECCO, Espaço cultural contemporánea, Brasilia. Ha participado en varias exposiciones colectivas, en el MAAT, Lisboa, en el Devos Art Museum en la Universidad de Michigan, Estados Unidos, en el CA2M. Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, en la Heritage Square Museum, Los Ángeles, en Manifiesta 10, St. Petersburgo.

Kendell Geers

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Describiéndose a sí mismo como “AniMystikAKtivist”, Kendell Geers (Johannesburg, Sudáfrica, 1968) se aproxima a un arte que reúne diversas tradiciones afro-europeas, incluyendo animismo, alquimia, misticismo, ritual y activismo socio-político, todo mezclado con humor negro, ironía y una buena dosis de contradicción cultural.

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Cargado de espiritualidad, políticamente inquieto y socialmente comprometido, el trabajo de Kendell Geers no es europeo ni africano sino un diálogo metafísico entre las culturas de ambos continentes, en el que intervienen y se mezclan sus signos arquetípicos y símbolos sagrados. Kendell Geers apareció en la escena artística internacional a finales de los años ochenta y desde entonces su trabajo ha sido presentado en bienales e instituciones de todo el mundo. Representó a Sudáfrica en la Bienal de Venecia de 1993. Participó en la Documenta 11, curada por Okwui Enwezor, y la reciente Documenta 14. Además, ha expuesto su trabajo en las bienales de Taipei, La Habana, Sao Paolo, Shanghai y Estambul entre muchas otras.

Marcos Ávila-Forero

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Marcos Ávila-Forero (París-Francia, 1983) trabaja usualmente en terrenos difíciles o lugares inaccesibles tales como pueblos remotos en la Colombia rural.

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Su practica está basada en la investigación que conduce adentro de las comunidades y en conjunto con sus residentes, permitiéndole iluminar experiencias que se encuentran más allá del alcance de la comunicación convencional. En lugar de documentar el objeto de su investigación, Ávila-Forero se sumerge en los mundos que explora. Él ve su papel como el de un activista luchando por problemas sociales que considera importantes, no solamente como artista sino como alguien que simplemente usa el arte como una herramienta entre otras. Los métodos de Ávila-Forero presentan al espectador con un nivel estético, material —carboncillo, madera, pergamino, fotografías en blanco y negro, video— que no representa directamente atrocidades pero las ofrece para su contemplación y examinación, evitando de este modo la trampa de estetizar el sufrimiento.

Margaret Harrison

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(Wakefield-England, 1940)
Pionera del arte feminista británico y europeo, Margaret Harrison cuestiona las nociones de género, identidad, política, clase social, violencia doméstica y explotación del trabajo y la sexualidad de las mujeres.

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Durante sus más de 40 años trabajando como artista, Harrison ha denunciado problemas culturales y políticos locales e internacionales a través de una variedad de medios incluyendo dibujos, pinturas al óleo, acuarelas e instalaciones de gran tamaño. Utiliza la iconografía, el arte pop y las marcas de consumo para reflexionar sobre la identidad femenina, masculina y transgénero, a menudo subvirtiendo los roles de género de humor que la sociedad le ha asignado. Ha expuesto en solitario en instituciones como el New Museum en Nueva York, el Middlesbourgh Institute of Modern in England y Azkuna Centroa en Bilbao. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en centros como Tate Modern y Victoria & Albert Museum en Londres, o el Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles.

María María Acha-Kustcher

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(Lima-Perú, 1968)
Artista visual. Co-dirige con Tomás Ruiz-Rivas el proyecto de arte experimental Antimuseo. Vive en Madrid y trabaja a nivel internacional.

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El enfoque principal del trabajo de Acha-Kutscher es la mujer. Su historia, las luchas por la emancipación y la igualdad, y la construcción cultural de la feminidad. María María organiza su trabajo en proyectos a largo plazo, y para cada uno desarrolla un lenguaje y una metodología únicos. Cada una de sus obras es un producto artístico en sí mismo, pero también son instrumentos de cambio social que contribuyen a la transformación política, especialmente para las mujeres. Se define a sí misma como una artista feminista, y cree en el arte como una poderosa herramienta política.

mounir fatmi

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Al utilizar materiales como cable de antena, máquinas de escribir y cintas VHS, Mounir Fatmi (Tánger, Marruecos, 1970) elabora una arqueología experimental que cuestiona el mundo y el papel del artista en una sociedad en crisis.

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Tuerce sus códigos y preceptos a través del prisma de una trinidad que comprende Arquitectura, Lenguaje y Máquina. Por lo tanto, cuestiona los límites de la memoria, el lenguaje y la comunicación mientras reflexiona sobre estos materiales obsoletos y su futuro incierto. La investigación artística de mounir fatmi consiste en una reflexión sobre la historia de la tecnología y su influencia en la cultura popular. Desde el año 2000, las instalaciones de mounir fatmi fueron seleccionadas en varias bienales, las Bienales de Venecia 52 y 57, la 8a Bienal de Sharjah, las Bienales de Dakar 5 y 7, la 2a Bienal de Sevilla, la Bienal de Bamako 10 y 11, la Bienal de Arquitectura de Shenzhen. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exhibiciones personales, en el Museo Migros, Zurich; MAMCO, Ginebra; Fundación AK Bank, Estambul; Museo Kunst Palast, Düsseldorf; y en el Gothenburg Konsthall.

Núria Güell

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Núria Güell (Girona, 1981) evidencia las estrategias perversas que se esconden bajo acciones, lenguajes y conceptos.

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Su trabajo gira en torno a los defectos de las estrategias de dominación institucional, como los bancos, los poderes legislativos y jurídicos. Su estudio de la antropología social y su apuesta por la participación colectiva se convierte en resistencia biopolítica. Su metodología de trabajo consiste en cortocircuitar la ley y aplicarla de forma inversa. Al hacerlo, Güell desarticula sus mecanismos unidireccionales y revela los procedimientos antiéticos del poder hegemónico. Recientemente ha expuesto de manera individual en CAC Brétigny, Francia; Middlesbrough Institute of Modern Art, Inglaterra; y MUSAC, León. También ha participado en múltiples exposiciones colectivas en la Talbot Rice Gallery, Edinburgo; el CDAN, en Huesca; la Galeria Municipal do Porto, Portugal; el MUAC, en México D.F; o la A.M. Qattan Foundation´s, en Palestina.

Pep Vidal

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Pep Vidal (Rubí, Barcelona, 1980) artista y matemático, su obra muestra un especial interés en el cálculo infinitesimal, la topología y las series infinitas.

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Tras realizar su tesis sobre algoritmos matemáticos para mejorar la precisión de los instrumentos utilizados en los aceleradores de partículas, Pep Vidal llegó dos conclusiones: que existen sistemas extremadamente sensibles y complejos, y él no está interesado en investigaciones que no incluyan su propia experiencia vital. Desde entonces trabaja en proyectos artísticos-científicos sobre cambios infinitesimales, cambios mínimos que están constantemente en todas partes. Ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Abrons Arts Center, New York; ADN Galeria, Barcelona; en el MNAC, Barcelona; en el museo Maczul, Venezuela; y en La Capella, Barcelona. También ha participado en exposiciones colectivas en Fundación Joan Miró, Barcelona; Fundación Botín; CAPC de Burdeos; el Museum of Contemporary Art, Croacia; o la Fundació Antoni Tàpies , Barcelona.

Tobias Bernstrup

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La obra de Tobias Bernstrup (Gothenburg, Suecia, 1970) utiliza el cuerpo como elemento principal de expresión contribuyendo a su redefinición crítica y presentando identidades mutadas e híbridas.

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El uso de la performance, entendida como una práctica de resistencia, ofrece al artista un terreno ideal para la desmaterialización de la obra. Sus trabajos toman elementos de la cultura popular, los videojuegos e internet para jugar con la poética de la tecnología digital y su influencia sobre el cuerpo. El aspecto musical, presente a lo largo de su carrera artística, confluye con su investigación del espacio, tan físico como social, y su indisoluble relación con el cuerpo político. Así, Bernstrup investiga la tiranía de la imagen, utilizada como tecnología de control y represión, y la subvierte para desnaturalizar la diferencia sexual y al mismo tiempo dar un vuelco a las convenciones y los códigos sociales dominantes.

Virginie Barré

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El trabajo de Virginie Barré (Quimper, Francia, 1970) se nutre de ficciones literarias, referencias cinematográficas y cultura popular; unas influencias que recodifica libremente.

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La infancia es también un elemento recurrente en su trabajo, que enlaza con otros conceptos y formatos como el color o los juegos. Trabaja con diferentes técnicas como la escultura, el cine o el dibujo. Activa desde mediados de la década de 1990, su práctica está profundamente influenciada por directores de cine como Stanley Kubrick, Federico Fellini o Hayao Miyazaki, así como también por las novelas gráficas. Ella misma ha realizado cómics desde principios de la década de 2000, en los que mezcla personajes reales y ficticios. En los últimos años, y paralelamente a su incursión en el campo del cine, en su práctica surgen instalaciones más abstractas, conjuntos de objetos fabricados y hechos a mano, donde permanece visible su interés por la cultura japonesa.

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ADN Galería

About Us

ADN Galería se fundó 2003 con la voluntad de crear una plataforma híbrida entre mediación comercial y aportación cultural, con el objetivo de difundir tendencias artísticas actuales. El programa está enfocado hacia producciones que priorizan los contenidos y se posiciona como reflejo semántico de las dinámicas contextuales en que se generan.

Más allá de la mediación comercial, ADN Galería se compromete con los artistas para generar redes de apreciación internacionales que fomenten el debate sobre las líneas de fuerza de la creación contemporánea, posibilitando el establecimiento de fundamentos sólidos para el desarrollo de sus carreras a través de una política activa de difusión mediática, comunicación online y presencia en ferias.

La galería ha establecido una política de trabajo colaborativo con intelectuales y profesionales del sector para enriquecer el programa y promover el dinamismo de las artes visuales más actuales haciendo hincapié en la relación entre arte, política y sociedad, así como otras actividades que se consolidan en el programa expositivo paralelo de ADN Platform. Así mismo, se apoya el coleccionismo emergente con un asesoramiento continuo y de proximidad.

Artistas

María María Acha-Kustcher, Carlos Aires, Marcos Ávila-Forero, Virginie Barré, Abdelkader Benchamma, Tobias Bernstrup, Santiago Cirugeda, Jordi Colomer, DEMOCRACIA, Domènec, Igor Eskinja, mounir fatmi, Daniel & Geo Fuchs, Kendell Geers, Núria Güell, Margaret Harrison, Bouchra Khalili, Adrian Melis, Eugenio Merino, Carlos Pazos, Bruno Peinado, Federico Solmi, Pep Vidal

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