Mayoral

Antoni Tàpies i Puig, (Barcelona, 1923 - 2012) fue un artista catalán reconocido por sus profundas contribuciones al campo del arte contemporáneo. Tàpies se inició en el arte a una edad temprana y fue uno de los pioneros del movimiento de vanguardia. Su estilo distintivo abrazaba elementos del expresionismo abstracto, el informalismo y técnicas mixtas, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas artísticas tradicionales.

Tàpies exploró temas profundos sobre la existencia humana, la espiritualidad y la conciencia social a través de sus obras, incorporando a menudo objetos cotidianos y materiales simbólicos en sus composiciones texturadas y táctiles. Su obra abarcó la pintura, la escultura, el grabado y la cerámica. Fue celebrado por su capacidad de transmitir profundidad emocional e introspección a través de sus poderosas y provocadoras piezas. A lo largo de su carrera, Tàpies recibió numerosos reconocimientos internacionales y su obra forma parte de los museos más prestigiosos del mundo, consolidándose como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

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Antonio Saura (Huesca, 1930 – Cuenca, 1998) fue un destacado pintor y escultor español conocido por sus profundos y provocadores trabajos que exploraron temas como el sufrimiento humano, la angustia y el existencialismo. El recorrido artístico de Saura comenzó con el expresionismo figurativo antes de evolucionar hacia un estilo propio caracterizado por pinceladas audaces, figuras distorsionadas y un uso sobrecogedor del blanco y el negro. Inspirado por artistas como Francisco Goya y Pablo Picasso, la obra de Saura a menudo ahondaba en las profundidades de la psique humana, reflejando sus propias luchas personales y el clima sociopolítico de su época. A través de su poderoso lenguaje visual, el arte de Saura buscaba confrontar y desafiar a los espectadores, dejando una huella indeleble en la escena artística española y consolidándose como una figura venerada en la historia del arte moderno.

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David Rodríguez Caballero (Palencia, 1970) es un destacado escultor contemporáneo, reconocido por su trabajo con metal, luz y abstracción geométrica. Su obra ha sido expuesta en importantes museos y galerías de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Museo Würth en La Rioja y l Museo Fundación Oteiza.
En 2012, realizó su primera exposición individual en Manhattan, la cual recibió una excelente acogida tanto por parte de la crítica como del público.
Ha participado en prestigiosas ferias de arte como Art Basel (Miami y Hong Kong), ARCO (Madrid), MACO (México) y The Armory Show (Nueva York). Ha recibido varios galardones, entre ellos el Primer Premio Internacional de Grabado de las Bodegas Dinastía Vivanco (2008), así como otros premios en Alemania y España.
Su obra forma parte de colecciones e instituciones internacionales como Repsol, la Fundación Coca-Cola, el Museo Würth, el Museo Patio Herreriano y el Instituto Nacional de Estadística, entre otras.

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Artista residente en Barcelona, se dedica a explorar las posibilidades del dibujo y el diagrama para construir relatos políticos y de crítica social que a menudo toman forma de antropografías de lo político. En el terreno artístico adopta una posición ideologicamente militante que recombina las tradiciones intelectuales de *la izquierda* en nuevas vías de pensamiento que tanto en la forma como en fondo exploran alternativas a las tendencias más establecidas. Sus trabajos, que a menudo aluden a figuras históricas y públicas de diversos ámbitos, podrían describirse como una instancia más de la tradición crítica y cronística, de autores como Leech, Newton, Crumb, Forges o Rius y describirse como libelísticos, goyescos o rocambolescos, pero teniendo en cuenta que se enmarcan en las problemáticas y sensibilidades del cambio de milenio, atendiendo a problemas como la globalización y las mutaciones del capitalismo, y están bajo la influencia del ciclo de insurgencias que van desde el 15M español a las primaveras árabes y Occupy, los feminismos y el movimiento Black Lives Matter. Su trabajo ha sido presentado en galerías de arte, museos y espacios independientes. En 2011 su serie Económicos se presentó en una exposición individual en el MNCARS de Madrid, en 2015 formó parte de la controvertida exposición la Bestia y el Soberano, MACBA Barcelona y recientemente participó en las exposición Vasos Comunicantes (2021) y el primer capítulo de su historia ideológica del sistema mundo Occidental (Propaganda por el Acto de Recordar) se presentó en la exposición Maquinaciones (2023) del MNCARS** Actualmente trabaja en su proyecto Ideología, colaboraciones con colegas del ámbito decolonial, exposiciones de esta y otras obras y recopilando paulatinamente materiales para una antropología de la clase política contemporánea.

El Palomar es un colectivo artístico fundado en 2013 por Ama Sánchez y Rafa Marcos. En constante experimentación e hibridación de lenguajes, trabajan en una amplia variedad de disciplinas (video, performance, música, obra gráfica, pintura, edición y proyectos curatoriales), impulsando la investigación y la producción, al tiempo que articulan discursos críticos sobre la memoria y el sentido de comunidad trans y no binaria a través de la práctica artística.
Recibieron el Premio Miquel Casablancas en 2017, el Premio Ojo Crítico en 2020, el premio Biennal d'Art Ciutat d'Amposta (BIAM) y han participado en la 11ª Bienal de Berlín. Además de su trabajo independiente, han comisariado proyectos para Casal Solleric, A*Desk y Kunsthaus Baselland.
Su obra ha sido expuesta en museos como el Centro Párraga, Haus der Kulturen der Welt de Berlín, MUSAC, CentroCentro, La Térmica, Frankfurter Kunstverein, NS-Dokumentationszentrum München, Patio Herreriano, MACBA, Leslie-Lohman Museum of Art – Nueva York, y el Institute of Contemporary Art – Los Ángeles, entre otros.
También han participado en numerosas acciones, charlas y conferencias relacionadas con su práctica. 

La obra de Élan d’Orphium plantea relecturas de género en sentido amplio a través de una interpretación confabuladora de escuchas, gestos y observaciones con especies de otros reinos.
Se gradúa en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2010-2014) con Erasmus en UAL Camberwell College (Londres, 2014). En 2018 cursa el Máster en Investigación de Arte contemporáneo y Creación (MIAC).
Ha participado en proyectos para Intermediae (Madrid, 2018), los programas ¿Pero… esto es arte? (2019) y Picnic sessions (2023 y 2025) en CA2M (Móstoles), Circuitos de Artes plásticas de la Comunidad de Madrid (Madrid, 2021), MataderoCrea en Centro de Residencias Artísticas de Matadero (Madrid, 2021), Compañía Nacional de Teatro Clásico (Madrid, 2022), Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2022), Schwules Museum (Berlín, 2022), Bulegoa z/b (Bilbao, 2022), Fundació Joan Brossa (Barcelona, 2023), INJUVE (2023), Concomitentes (2024) y GIRA en Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2023-24). En 2025 recibe una Beca de Arte de la Fundación Botín (Santander).

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Eulàlia Grau (Tarrasa, 1946) desempeña un papel significativo en un periodo crucial de transformación dentro de la sociedad catalana y española. Su labor artística, que se desarrolla desde la década de 1970 en adelante, se centra en la defensa del feminismo y en la crítica al sistema capitalista, explorando las conexiones entre el bienestar, el consumo y la explotación. Un rasgo recurrente en su obra es la utilización de técnicas de collage o fotomontaje para cuestionar las normas sociales dentro de contextos cotidianos y familiares. Grau pone de relieve la existencia de matices raciales en ciertas ideologías feministas, especialmente en el trato discriminatorio observado entre personas que gozan de determinados privilegios sociopolíticos y económicos. A través de su arte, busca visibilizar la necesidad imperiosa de que el feminismo combata el racismo, alineándose con muchas demandas contemporáneas y subrayando que el feminismo debe ser, por definición, antirracista.

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Fernando Botero (Medillín, 1932 – Mónaco, 2023) fue un pintor y escultor colombiano de renombre mundial, conocido por su estilo artístico distintivo llamado Boterismo, caracterizado por figuras y formas exageradas y voluminosas. Juguetón pero profundo, su arte exploró temas como la belleza, el poder, la política y la naturaleza humana, lo que lo convirtió en uno de los artistas latinoamericanos más reconocibles e influyentes de los siglos XX y XXI.

Jean Dubuffet (El Havre, 1901– París, 1985) fue un influyente artista francés, conocido por ser el principal teórico y defensor del Art Brut. Su obra desafió las convenciones estéticas tradicionales, inspirándose en el arte infantil y el arte popular. Su enfoque rompedor influyó profundamente en el arte contemporáneo de posguerra.

Jean-Michel Basquiat (Nueva York, 1960 – 1988) fue un artista estadounidense que alcanzó el éxito en la década de 1980 dentro del movimiento del neoexpresionismo. A finales de los años 70 consiguió cierta notoriedad como parte del dúo de graffiti SAMO, escribiendo epigramas enigmáticos por Manhattan, especialmente donde el rap, el punk y el arte urbano convergían en la cultura del hip-hop. A principios de 1980, sus pinturas ya se exhibían en galerías y museos internacionales. A los 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en la Documenta de Kassel, Alemania. A los 22, fue uno de los más jóvenes en exponer en la Whitney Biennial en NY.

Basquiat se centraba en dicotomías como la riqueza versus la pobreza, la integración versus la segregación y la experiencia interna versus la externa. Utilizó la poesía, el dibujo y la pintura; fusionó texto e imagen, abstracción, figuración e información histórica mezclada con crítica contemporánea. Sus pinturas incluían el comentario social como una herramienta de introspección y de identificación con la comunidad negra, así como para atacar las estructuras de poder y el racismo.

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Jordi Alcaraz (Calella, 1963) es un artista catalán cuya obra fusiona escultura, dibujo e instalación para explorar conceptos de ausencia, transparencia y transformación. Arraigado en las tradiciones clásicas, su arte traspasa los límites de la materialidad utilizando vidrio, tinta, metacrilato y espejos. A través de gestos, perforaciones y reflejos, crea espacios poéticos en los que la imagen está siempre a punto de aparecer o desaparecer. Alcaraz ha expuesto internacionalmente y figura en importantes colecciones como el MACBA, el MFAH y la Colección Cisneros Fontanals.

José Pérez Ocaña (Cantillana, 1947 - Sevilla, 1983) una figura clave de la contracultura barcelonesa durante los años setenta. Artista, activista y performer, Ocaña se convirtió en un icono de la libertad y la disidencia en plena Transición española. Su personalidad provocadora y su uso del transformismo rompieron moldes en el contexto social de la época, aunque su popularidad muchas veces ha eclipsado la profundidad de su obra artística.

Su práctica creativa —avanzada para su tiempo— incluía dibujos, pinturas y esculturas de papel maché, con una clara dimensión performativa. Ocaña anticipó modelos artísticos contemporáneos basados en la identidad, la expresión libre del cuerpo y la fusión entre arte y vida. Su legado sigue siendo una referencia imprescindible para entender el arte como forma de resistencia y transformación.

Lúcia Prancha (1985, Lisboa) es una artista que vive y trabaja en Barcelona. Lúcia se graduó en Pintura en la FBAUL (2009, PT) y obtuvo su Maestría en Artes en CalArts–California Institute of the Arts (2015, EE. UU.). Su obra fue expuesta en el 19 de Crac de Montbéliard; Centro de Arte Oliva; Sesc-Pompeia, Sao Paulo; LACA – Archivos Contemporáneos de Los Ángeles; Hordaland Kunstsenter, Bergen; Fundación Serralves, Oporto; Galería Dynamo, Oporto; Galería Leme, São Paulo; Museo Berardo y Bienal de São Paulo. Sus videos fueron proyectados en la Cinemateca Portuguesa; INTERSECCIÓN, Coruña; Curtas Vila do Conde; Rencontres Internationales Nouveau Cinéma et Art Contemporain de Paris y Haus der Kulturen der Welt, Berlín. Actualmente presenta HILDA, su más reciente exposición individual, que incluye esculturas y vídeo, en el Pavilhão Branco de Lisboa. De septiembre a noviembre, realizará una residencia artística en la Cité Internationale des Arts de París. 

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Marc Larré (Barcelona, 1978) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art de Nueva York, donde estudió cine y vídeo bajo la supervisión de Walid Raad. Ha expuesto individualmente en la Fundación Suñol (Barcelona), en el Centro Párraga (Murcia), en la Galería etHALL (Barcelona), en La Capella (Barcelona), en la Fundación BBVA (Madrid), en R.O. Proyectos (Madrid), en la Galería Rafael Ortíz (Sevilla) y en la Galería Estrany - de la Mota junto a Gerard Ortín. Ha expuesto colectivamente en el CRAC Puglia (Taranto), en el MAAT-Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología de Lisboa (Lisboa), en el MACBA-Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Barcelona), en el NCCA-The National Centre for Contemporary Arts (Moscú), en Fabra & Coats (Barcelona) y en el Aarhus Art Building (Dinamarca), entre otros. Recientemente ha recibido el Premio Antoni Vila Casas de Escultura, una Beca Leonardo de Investigación Científica y Creación Cultural, así como una beca Art for Change de la Fundación La Caixa (2022). Vive y trabaja en Barcelona.

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Mari Chordà (Amposta, 1942) es una pintora, poeta y activista feminista catalana. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde comenzó a experimentar con representaciones pictóricas del cuerpo femenino. En 1964, unos años antes de la revolución del arte feminista que tuvo lugar en los Estados Unidos a principios de los años 70, Chordà inició la serie Vagines, centrada en la representación visual de la feminidad desde una perspectiva fisiológica. Su estilo pictórico ganó en color y abordó temas como la sexualidad y la maternidad, como resultado de su experiencia con el embarazo tras una estancia en París en 1965. Creó representaciones innovadoras del cuerpo femenino en un estilo «no figurativo», anticipando la vanguardia feminista de la década siguiente.

Chordà participó activamente en los movimientos feministas desde finales de los años 60. En 1968 fundó el centro cultural Lo Llar en su ciudad natal. En 1977 cofundó el legendario Bar-Biblioteca- Feminista laSal en Barcelona y la primera editorial feminista de España.

Marria Pratts (Barcelona, 1988) es una artista multidisciplinar cuya práctica transmite un espíritu desenfadado y espontáneo. Aunque Pratts estudió Diseño Gráfico en la Escola Massana de Barcelona, es principalmente autodidacta. Su exploración de diversos medios artísticos, como el dibujo, la pintura, la escultura, las alfombras, el mobiliario y los fanzines, demuestra su compromiso con la experimentación plástica. Utilizando una paleta vibrante y optimista, Marria se inspira en elementos de su barrio en Hospitalet de Llobregat (Barcelona).

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Martina Pla (Barcelona, 1962), hija de padre diseñador y pintor, y de madre pintora, es creadora de indumentaria y cartomántica. Trabaja el dibujo espontáneo del subconsciente, inseparable de su intensa biografía y del paisaje que la rodea. 

Desde finales de 1970 hasta finales de 1990, expone en diferentes colectivas y colabora con las galerías Fernando Alcolea y la Sala Parés. A partir del 2000 se desvincula del mundo expositivo y se dedica a transformar su obra anterior pintada al óleo, deconstruyéndola para reconstruirla, creando sinérgias compositivas en espacions expositivos. En este sentido, el 2022 presenta el proyecto «biologia del paisatge», en el que la naturaleza y el entorno son estímulos para la creación pictórica.

Nacho Martín Silva (Madrid, 1977) es un artista español cuya obra combina pintura, dibujo y collage para explorar la relación entre imagen, memoria y percepción. A través de un lenguaje fragmentado y capas superpuestas, investiga cómo se construyen y alteran los significados visuales. Su práctica revela una tensión entre lo narrativo y lo abstracto, lo personal y lo colectivo.

Niki de Saint Phalle (Neuilly-sur-Seine, 1930 - San Diego, 2002)fue una de las artistas más innovadoras, iconoclastas y comprometidas socialmente de mediados del siglo XX. A lo largo de su prolífica carrera, desarrolló un estilo distintivo y creó una obra compleja con una profunda dimensión sociopolítica. Además, fue una artista polifacética: pintó, esculpió, realizó grabados y performances, e incluso experimentó con el cine.

Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973) demostró un talento artístico excepcional desde muy joven y desarrolló un enfoque revolucionario del arte que transformó el rumbo del arte moderno. Su diversa obra abarca varios movimientos artísticos, incluyendo el Período Azul, el Período Rosa y el innovador movimiento cubista, del cual fue cofundador. El genio artístico de Picasso, caracterizado por su audaz experimentación con la forma, el color y la perspectiva, rompió con las convenciones tradicionales del arte y abrió nuevas posibilidades para la expresión artística. Su producción artística incluyó pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos e incluso escenografías para ballets. La creatividad incansable de Picasso y su constante capacidad de reinventarse lo convirtieron en un icono de la innovación artística, dejando una huella imborrable en el mundo del arte e inspirando a generaciones de artistas.

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Rachel Valdés (La Habana, 1990) es una artista visual conocida por sus instalaciones inmersivas, pinturas y obras de arte público. Trabajando entre La Habana y Barcelona, su práctica explora la percepción, la reflexión y la relación entre el espectador, el espacio y la realidad. Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluso en Times Square, y forma parte de importantes colecciones en Estados Unidos, Europa y América Latina.

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Salvador Dalí (Figueres, 1904 - 1989) fue un reconocido artista surrealista cuya excentricidad y creatividad desbordante dejaron una huella imborrable en el mundo del arte. Las obras de Dalí trascendieron los límites artísticos tradicionales, abarcando la pintura, la escultura, el cine e incluso la escritura. Su imaginería vívida y onírica, repleta de relojes derretidos, paisajes extraños y figuras distorsionadas, reflejaba su fascinación por el inconsciente y lo irracional. La búsqueda incesante de la individualidad y el impacto visual convirtieron a Dalí en una figura destacada dentro del movimiento surrealista, demostrando su capacidad para fusionar la realidad con lo fantástico. Con su maestría técnica, Dalí creó un universo artístico único que continúa cautivando al público en todo el mundo, consolidando su lugar como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

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Ugo Rondinone (Brunnen, 1964) es un artista suizo de renombre internacional que trabaja con escultura, pintura, instalación y vídeo. Su obra explora temas como el tiempo, la naturaleza, la identidad y la melancolía, combinando poesía visual con formas simbólicas y materiales diversos. Es conocido por sus paisajes lunares, figuras de payasos, y esculturas de piedra icónicas.

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Victor Jaenada (Barcelona, 1977), barcelonés curtido en la periferia. En 1994 ingresa en la escuela de arte Llotja de Barcelona, donde recibe cinco años de formación tradicional. Como complemento a esta formación, en 2001, ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, allí profundizará en la pintura y el dibujo, y experimentará con otros medios, es becado el cuarto año en Granada. Después de licenciarse transforma un local abandonado de Esplugues de Llobregat en su casa-estudio, en este espacio de grandes dimensiones se instalará cinco años y creará sus primeras Instalaciones-murales. En 2013 regresa al contexto artístico barcelonés y amplía sus proyectos multidisciplinares en el centro de producción Hangar. En 2016 empezó a trabajar en un estudio en Barcelona, insertado dentro de la galería Balaguer. Y, a partir de 2019. se mudó a su actual estudio de Hospitalet de Llobregat, ciudad en la que reside con su familia. 
Ha mostrado su trabajo en centros de arte como el MNAC, el CCEMX de ciudad de México, el Casal Solleric, el Centro Párraga, o la Fundació Antoni Tàpies, entre otros. Además periódicamente aparece en proyectos, tanto individuales como colectivos, en distintas galerías y en ferias de arte como ARCO Madrid. Algunas de sus obras forman parte de colecciones como los archivos del MACBA, la colección Grisart, o la colección DKV.

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Wifredo Lam (Sagua la Grande, 1902 - Paris, 1982) fue un artista nacido en Cuba cuya obra combinó magistralmente la estética modernista con la imaginería afrocubana para explorar temas como la injusticia social, la espiritualidad y la identidad cultural. Conocido sobre todo por sus pinturas de gran formato, el arte de Lam desafió las narrativas coloniales y redefinió la representación de las identidades no europeas dentro del movimiento modernista.