Mayoral

Ferrán García Sevilla (Palma de Mallorca, 1949)

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Francesca Llopis Planas, (Barcelona, 1956), es una artista visual, especializada en pintura y vídeo arte. Formada en la escuela EINA, su carrera se inició en los años 1980 con la arquitectura y las influencias del expresionismo abstracto y del neoexpresionismo. Ha desarrollado su actividad artística entre Barcelona, Francia, Italia, Japón y Corea. Sus obras tienen como foco principal sus viajes y la naturaleza. 

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas durante más de 40 años, ha realizado intervenciones en el espacio público y, recientemente, ha realizado instalaciones en los festivales «Llum», el «Big Draw» en el Museu Picasso de Barcelona o en el MNAC, entre otros. Conservan obra del artista el MACBA, el Museu de Terrassa, el Museu d’Art de Sabadell (MAS) y el Museu d’Art Modern de Tarragona (MAMT).

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Jaume Plensa (Barcelona, 1955), es reconocido internacionalmente como uno de los escultores contemporáneos más importantes de la actualidad. También es grabador, ha colaborado en proyectos de teatro y ópera con el diseño del vestuario y la escenografía, proyecciones de vídeo e instalaciones acústicas. 

Durante los últimos 35 años, ha creado esculturas e instalaciones que unen individuos a través de la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva. La literatura, la psicología, la biología, la lengua y la historia han sido elementos clave a lo largo de su trayectoria. Utilizando una amplia gama de materiales que incluyen acero, hierro colado, resina, parafina, vidrio, luz, agua y sonido, Plensa da peso físico y volumen a componentes de la condición humana y a lo efímero. Su práctica artística es una búsqueda continua para evocar la belleza en la simplicidad.

Tiene una larga carrera de obras públicas en todo el mundo, que obedece a su creencia en la capacidad del arte en los espacios públicos para crear experiencias inclusivas y transformadoras.

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Joan Gelabert (Mataró, 1954), también conocido como Dalí Junior, es artista y músico, además de definirse como brujo, astrólogo y ufólogo. Todas estas facetas convergen en sus pinturas apocalípticas, que muestran el mundo destruido por los ovnis. Desde finales de los años 1970, su estilo inclasificable, entre pop atómico y naíf chic y sci-fi, se ha visto en distintas exposiciones colectivas y sobre el escenario con su grupo Los Berberechos Blues, pero Gelabert optó por abandonar el circuito comercial y convertir su residencia en una casa museo.

Recientemente, el MACBA incluyó su obra en la exposición «Gelatina dura» (2016), una revisión crítica del arte de los 80, y en 2018 el museo Mataró Art Contemporani le dedicó una exposición monográfica.

José Pérez Ocaña (Cantillana, 1947 - Sevilla, 1983), más conocido como «la Ocaña», fue artista, performer y activista por los derechos LGTBI+. 

En 1971 se trasladó a Barcelona, donde ejerció el oficio de pintor decorativo para subsistir y desarrolló su vida artística. Fue una de las principales figuras del movimiento de la contracultura barcelonesa de la década de 1970. Utilizó sus representaciones simbólicas del cuerpo para provocar, y al mismo tiempo para naturalizar, haciéndolas visibles en el espacio público, un conjunto de prácticas performativas populares y colectivas de desobediencia de género y sexual. Su gran popularidad continúa ocultando su obra como artista, una práctica singular que anunció  —treinta años antes— un modelo ejemplar de hacer arte para el siglo XXI. 

Ocaña incorporó numerosos elementos de la religiosidad popular andaluza en su estética, resignificándolos como elementos contraculturales y dotándolos de centralidad en sus obras y también en sus exposiciones. En el ámbito del cine, protagonizó Ocaña, retrato intermitente (1978), dirigido por Ventura Pons; la película Manderley (1981), dirigida por Jesús Garay, y el cortometraje Silencis (1982), entre otros.

Josep Uclés i Cifuentes (Badalona, 1952 – La Roca del Vallès, 2013) fue un artista representativo del Neofigurismo europeo (o Nueva Figuración). Su arte comenzó siendo oscuro, misterioso y de crítica social transgresora, pero evolucionó hacia una sutil ironía, más colorista y poético, y el ser humano continuó siendo la fuerza motivadora.

Cabe destacar su partipación en exposiciones colectivas históricas como «Seny i Rauxa» (1978) en el Centre Pompidou de París o «Europa '79» en Stuttgart, una muestra que señaló la ruptura con el sentimiento progresista de la historia del arte y la imposición de la valoración del individuo sobre la tendencia. También participó en numerosas exposiciones en Italia, Francia, Bélgica, EEUU, Alemania y en el estado español.

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Marcel·lí Antúnez Roca (Moià, 1959) es conocido por sus acciones performativas y por sus instalaciones robóticas. Fue cofundador de la Fura dels Baus y coordinador artístico del colectivo. Su universo creativo parte de un interés por el cómic, el Art Brut, las vanguardias de los años 1960, las tradiciones populares y la ecoagricultura; un cosmos que completa con su inclinación por aspectos de la condición humana como la comida, el sexo o la muerte. El trabajo de Antúnez tiene el cuerpo y el dibujo como elementos centrales, se mueve en la esfera del arte de la instalación y la performance, y ha estado inmerso por lo colectivo, por la tecnología digital y por los procedimientos colaborativos. 

Sus acciones, instalaciones, dibujos y vídeos han sido presentados en numerosos museos, festivales y teatros de todo el mundo. También ha recibido prestigiosos premios y distinciones.

Martina Pla (Barcelona, 1962), hija de padre diseñador y pintor, y de madre pintora, es creadora de indumentaria y cartomántica. Trabaja el dibujo espontáneo del subconsciente, inseparable de su intensa biografía y del paisaje que la rodea. 

Desde finales de 1970 hasta finales de 1990, expone en diferentes colectivas y colabora con las galerías Fernando Alcolea y la Sala Parés. A partir del 2000 se desvincula del mundo expositivo y se dedica a transformar su obra anterior pintada al óleo, deconstruyéndola para reconstruirla, creando sinérgias compositivas en espacions expositivos. En este sentido, el 2022 presenta el proyecto «biologia del paisatge», en el que la naturaleza y el entorno son estímulos para la creación pictórica.

Miquel Barceló Artigues (Felanich, Baleares,1957) es pintor y escultor. Desde sus comienzos a finales de los años 1970, se adscribió a la corriente expresionista de recuperación de la pintura, a la que imprimió un sello inequívoco de mediterraneidad. Sus primeras obras de madurez se centraban en la intimidad del artista y el acto de pintar. Su participación en la Bienal de São Paulo (1981) y en la Documenta VII de Kassel (1982) lo configuró como una de las mayores revelaciones del arte español en los años 1980.

El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes. Barceló ha ampliado su campo temático a las naturalezas muertas, paisajes saturados de flora y fauna terrestre y marítima. Asimismo, realizó series de bibliotecas y museos en las que plasmó su interés por la historia de la pintura. Produce obra escultórica y cerámica. Especial importancia adquieren sus dibujos, organizados como diarios de viaje, en los que realiza una exploración paralela del territorio y de los materiales de la pintura.

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Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) comenzó a exponer su obra a finales de los años 1970, época en que destaca la influencia de las vanguardias históricas. Su interés por la pintura ha trascendido su carácter meramente pictórico, convirtiéndose su obra poética de igual o más importancia que la anterior.

El paisaje es un tema recurrente en su obra, que retoma y reevalua su presencia sobre todo en la producción literaria y pictórica. A través de esta aproximación, la relación con el paisaje se examina desde varios puntos de vista no exentos de ironía y que toman forma a través de la pintura, la escultura, la fotografía, la instalación, el vídeo o la misma intervención en el entorno natural. Para el artista, el hombre forma parte del paisaje, es un agente más en su conformación y evolución.

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Ramiro Fernández (Sabadell, Barcelona, 1961) es pintor y grabador español. También ha ilustrado libros de texto, ha diseñado carteles y ha realizado libros de artista. Sus obras son de raiz romántica y reproducen escenas serenas protagonizadas por perros, árboles, tigres, pájaros, barcos de vapor, etc., que ofrecen una narración de trazos cortos y colores moderados, donde la perspectiva y las proporciones se relajan. Sus paisajes muestran imágenes metafóricas y llevan al espectador a descubrir tierras lejanas o inexploradas.

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios y ha realizado numerosas exposiciones. Su obra forma parte del fondo del Museo Nacional de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid, la Fundació La Caixa o la Fundació Vilacasas de Barcelona o el Museu Albertina de Viena, entre otros.  

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Ramon Puiggené (Barcelona, 1958) estudió fotografía en la Escola Richter-Elisava (1969-72) y se licenció en Historia del arte. Ha sido profesor en la Escuela Superior de Diseño Elisava y también ha trabajado en el mundo de la comunicación, la fotografía industrial, la fotografía de naturaleza y el retrato, la organización de fondos documentales y la arqueología industrial. Hace casi 60 años que se dedica a la fotografía, que sobre todo le interesa para recoger una visión gráfica, para captar aquello que le provoca un impacto visual. Es la fotografía más cercana a la de un diseñador, la combinación de luces y colores a través del objetivo de la cámara. A lo largo de su carrera, ha desarrollado, entre otras, la técnica que consiste en dar color, con anilinas, a las fotografías en blanco y negro.

Ha realizado una veintena de exposiciones. Sus fotografías figuran en colecciones y publicaciones nacionales e internacionales.

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Tom Carr (Tarragona, España, 1956; vive y trabaja en Sant Quirze del Vallès, España). Profesor de la Universitat Internacional de Catalunya en Barcelona, ha impartido clases en la Escola Massana durante más de 20 años, así como cursos y conferencias en la School of Visual Arts (SVA) de Nueva York, Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago, entre otros.

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