Alexander Calder

Alexander Calder (Filadelfia, 1898 – Nueva York, 1976). Hijo de un escultor y una pintora, a mitad de los años veinte, estudia en Nueva York y en 1926 se traslada a París, donde crea el Cirque Calder, una compleja obra de arte que atrae la atención de la vanguardia parisina. El 1931 crea las primeras esculturas cinéticas, movidas por motores, que Marcel Duchamp denomina “mobiles”. Pronto Calder abandona los sistemas mecánicos y trabaja con mobiles suspendidos movidos por las corrientes de aire, denominados por Jean Arp “stabiles”. Calder vuelve a los Estados Unidos el 1933, donde hace las primeras esculturas para exterior, con mobiles de gran escala. El 1943, una gran retrospectiva en el Museum of Modern Art de Nueva York lo convierte en uno de los grandes artistas contemporáneos de su país. En 1953 vuelve a Francia donde centra su creación en comisiones de obras de grandes medidas: Spirale (1958) para la sede de la Unesco a París, Flamingo (1973) para el Federal Center Plaza de Chicago. Calder muere en 1976, unas semanas después de la inauguración de la gran retrospectiva Calder’s Universe en el Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Carlos Cruz-Diez

Carlos Eduardo Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 1923 - París, 2019)1 fue un artista venezolano del arte cinético. Vivió y trabajó en París desde 1960 hasta su muerte.

Cruz-Diez propuso concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio, sin ayuda de la forma o necesidad de soporte. 

Su trabajo abarca ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur à l’Espace. En los últimos 50 años, he insistido en llevar el color al espacio, sin soporte y sin anécdota, revelándolo en su ambigüedad, como circunstancia efímera, en continua mutación creando realidades autónomas.

Eusebio Sempere

Eusebio Sempere Juan (Onil, Alicante, 1923-1985) fue un escultor, pintor y artista gráfico español, representativo del movimiento cinético.

Fue miembro de Los Siete 1948-1954 junto a los siguientes artistas: Ángeles Ballester Garcés, Vicente Castellanos Giner, Vicente Fillol Roig, Juan Genovés, Vicente Gómez García, Ricardo Hueso de Brugada, Juan Bautista Llorens Riera, Joaquín Michavila y José Masiá Sellés.

Su obra se conserva en instituciones y museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Moderno de Barcelona, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, el Fogg Museum de la Harvard University, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museum of Modern Art, en Atlanta; el Museo de Hamburgo, la Fundación Juan March, en Madrid, el Museo de la Universidad de Alicante, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), y el Museo de la Solidaridad Salvador Allende en Chile.

Gregorio Vardanega

Gregorio Vardanega (1923 - 2007) fue un artista de origen italiano quien trabajó en Argentina y Francia. Vardanega y Martha Boto, su compañera, crearon el término llamado "cromocinetismo" para describir su investigación artística. 
  
Vardanega mostró entusiasmo por el estudio del espacio y cuestionaba la forma y elementos como se presenta en el mundo. También indagaba la correlación de luz, el color, movimiento y espacio, sumando la electrónica a su trabajo artístico. Su gusto por el espacio y lo que veía de él le llevaron a usarlo como inspiración para sus obras.
 
Vardanega inició el uso de colores eléctricos y transparentes, espacios de color, difracción y transmisión de luz en sólidos líquidos y gases. Vardanega fue integrante de la Nouvelle Tendance. A través de la década de 1950, experimentó con el arte cinético , construyendo obras de arte que se movían y giraban a intervalos irregulares, lo que producía patrones abstractos a través de la iluminación, los reflejos y las sombras. También realizó su primera escultura luminosa como resultado de intentar encarnar el universo física y psíquicamente.

Jesús Rafael Soto

Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Estado Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005) fue un artista venezolano y uno de los máximos exponentes del arte cinético. 

En 1950 se muda a París, donde junto a Los Disidentes emprende la búsqueda del movimiento, que lo lleva a desafiar las posibilidades perceptivas del ojo humano. En la década de 1970 logra su magnum opus con sus famosos "Penetrables" donde involucra y sumerge al espectador en una experiencia viva.

Julio Le Parc

Omar Rayo Reyes

Ómar Rayo Reyes (Roldanillo, Valle del Cauca, 1928 - Palmira, Valle del Cauca, 2010) fue un pintor, grabador y escultor colombiano. 

La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zigzag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto. Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (Hartford, Connecticut, 1928, - Nueva York, 2007) fue un artista ligado a varios movimientos, como el arte conceptual y el minimalismo. La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras (término que él prefería al de escultura) son sus medios artísticos predominantes. Fue objeto de centenares de exposiciones individuales en museos y galerías por todo el mundo desde 1965. 

Sol Lewitt utiliza frecuentemente estructuras abiertas y modulares derivadas del cubo, una forma que lo influyó desde que se hizo artista. Sus esculturas incluyen las estructuras tempranas de la pared y tres proyectos seriales a partir de los años 60; cuatro cubos abiertos incompletos a partir de los años 70; numerosos pedazos de madera blancos pintados a partir de los años 80: El hexágono, forma derivada de un cubo, estructura con tres torres, entre otras así como maquetas para las estructuras de bloque concretas a partir de los últimos años 90.

Toni Costa

Victor Vasarely

Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, 1906 - París, 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. 

Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Yaacov Agam

Yaacov Agam (Rishon LeZion, Mandato Británico de Palestina actualmente Israel, 1928) es un artista cinético, plástico y escultor israelí. 

Comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai Ardon en la Academia Bezalel de Artes y Diseño de Jerusalén, luego se trasladó a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto de París. En 1950, hizo su primer experimento cinético, 3 años más tarde expuso por primera vez y en 1955 fue uno de los partícipes de la primera muestra internacional del arte en la galería de Denise René en París. 

 Su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones.

Yvaral

Jean-Pierre Vasarely (1934–2002), conocido profesionalmente como Yvaral, fue un artista francés que trabajó en los campos del op-art y el arte cinético desde 1954 en adelante. Era hijo de Victor Vasarely, pionero del op-art. 

Yvaral cofundó el Groupe de Recherche d’Art Visual (GRAV) con Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi y Joel Stein, buscando desarrollar un lenguaje visual abstracto coherente compuesto por elementos geométricos simples. 

En 1975 acuñó la frase 'arte numérico' para describir obras de arte compuestas (o programadas) de acuerdo con reglas numéricas o algoritmos. A partir de ese momento, utilizó computadoras para procesar y manipular imágenes digitalmente, aunque las imágenes finales siempre fueron pintadas a mano. Usó esta técnica para producir varias series de retratos a partir de imágenes reconocibles al instante, como el rostro de Marilyn Monroe, y las procesó hasta el punto en que se convirtieron en composiciones abstractas, mientras que la imagen original sigue siendo reconocible.