Aggtelek

Aggtelek — это художественное название проекта Хемы Пералес (Барселона, 1982 г.) и Ксандро Вальеса (Барселона, 1978 г.). Aggtelek , полный ссылок, референсов, апроприационизмов и концепций воскресного барбекю, графическое предложение, которое взрывается в различных областях творчества и систем процессов, не забывая о тех, которые относятся к постфордистской объектной живописи, микроблогам и «сетевому повествованию». Экспериментируя с процессами и моделями повествования, они сохраняют и извлекают различные прочтения, чтобы построить блоки понимания, которые быстро заменяются другими идеями. «Концептуальный Маколей Калкинг» (концепция, которая надоедает в повседневном одиночестве и ищет цифровые быстрые развлечения) между нелепостями, которые анализируют саму систему, из которой они рождаются.

С 2004 года они участвовали в индивидуальных выставках в различных галереях, таких как Хилари Крисп (Лондон), Galerie Adler (Франкфурт), Луис Аделантадо (Майами, Валенсия, Мексика) или Exile (Берлин), в учреждениях и музеях, таких как Институт Сервантеса ( Брюссель), Het Domein Museum (Sittard) или биеннале, таких как 2ème Rennes Biennial (Ренн) или X Стамбульская биеннале. Его работы выставлялись на международном уровне на различных коллективных выставках, таких как «Дистанционный просмотр» в MOCA (Лос-Анджелес) или на Mercati di Traiano в «Solo al Buio» (Рим). Помимо активного участия в художественных ярмарках, они были удостоены награды Emerging Artist Award от Beers.Lambert (Лондон, 2012 г.).

Andrew Roberts

Andrew Roberts (Tijuana, 1995) vive y trabaja en Ciudad de México. Su práctica basada en la investigación explora el desarrollo histórico paralelo de la tecnología bélica y la industria del entretenimiento, analizando el papel de las imágenes como armas operativas dentro de los mecanismos coloniales, raciales y extractivos y sus ramificaciones poéticas, políticas y estéticas en la producción de capital y muerte. Su obra emplea elementos de los videojuegos y los géneros populares del cine, adoptando la forma de narrativa multimedia y ficción especulativa, materializada en el espacio a través de animaciones digitales e instalaciones inmersivas en compañía de objetos, acciones y escritura.

Su obra se incluirá en la Whitney Biennial 2022: Quiet As It's Kept, que se inaugurará el 6 de abril de 2022, y en una exposición individual que se abrirá en House of Chappaz. Entre las exposiciones individuales más importantes se encuentran Best Practice, San Diego (2022); Pequod Co., Ciudad de México (2020); y el CECUT, Tijuana (2017). Entre las exposiciones colaborativas de dos personas se encuentran Delaplane, San Francisco (2021); y Salón Silicón, Ciudad de México (2021). Su obra se ha expuesto, entre otros, en la 7ª Bienal de Atenas: Eclipse, Atenas (2021); el Museo Jumex, Ciudad de México (2021); kurimanzutto, Ciudad de México (2021); el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, San Diego (2018); el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Ciudad de México (2018); y el San Diego Art Institute (2017). Roberts es miembro activo de Deslave, un dúo de comisarios y un espacio de proyectos dirigido por artistas. 

Antoine et Manuel

Antoine et Manuel se conocieron en una escuela de arte en París en 1984. Manuel Warosz (Clermont-Ferrand, France, 1965) estudió diseño industrial en les Arts décoratifs, mientras Antoine Audiau (Paris, France, 1964) comenzó a trabajar como estilista de moda, ambos en París. Comenzaron a trabajar oficialmente como dúo en 1993, combinando sus múltiples habilidades para crear imágenes, tipografías, logotipos, animaciones de video, objetos e instalaciones.

Antonio Fernández Alvira

El trabajo de Antonio Fernández Alvira órbita alrededor de los procesos constructivos y de significación de las imágenes que conforman nuestro entorno. Analiza y explora conceptos como la representación y el fraude visual, la fragilidad y lo efímero de nuestro entorno, o la creación de símbolos, explorando a su vez los mecanismos que permiten legitimar todo esto en el imaginario colectivo.  Para ello toma la arquitectura y sus elementos integrantes como generadores de un corpus físico, que unido a la experimentación con los materiales, le sirven para conformar mediante una exploración procesual y formal, sus trabajos escultóricos e instalativos.   

A lo largo de sus diversos proyectos, ha ahondado en el binomio imagen y significado, sirviéndose para ello del uso de herramientas como el fake y los displays museísticos, analizando también peso de lo académico en la configuración de nuestro entorno. La exploración material y formal, unido a la fragmentación, lo arqueológico y la ruina, conforman un hilo conductor dentro de su trabajo, habiendo realizado diversas piezas e instalaciones arquitectónicas en materiales como papel (La Dernière Lueur y El último resplandor), o mediante resinas, escayolas, cemento o metal (Elementos para un discurso). En sus últimos trabajos ( El fluir en lo fijado) lo procesual y la depuración de lineas toma el protagonismo, haciendo que la arquitectura se vuelve orgánica, configurando y modulando los espacios donde esta cohabita a través de muros de color y estructuras metálicas. 

Carlos Sáez

Carlos Sáez (València, 1988) es un artista multidisciplinar especializado en medios digitales. Su principal objeto de estudio es la relación entre el ser humano y la tecnología, que tiende a desarrollar en su obra alzando la propia estética de la maquinaria y su programación. En su línea “Hardware Fetish”, el artista rinde tributo al aparato tecnológico abandonado, especialmente a la pantalla. En este ámbito crea piezas a mitad camino entre la máquina y la reliquia en las que honra el espacio negativo que deja el “no-fluido” de información. Uno de los conceptos más presentes en su trabajo es el de la “libertad morfológica” propuesto en la filosofía de la extropía. Para ello se sirve de diferentes medios como la ilustración, vídeo, o 3D, con los que plasma el deseo del ser humano por modificar su apariencia natural en entornos virtuales. En 2012 Carlos idea Cloaque.org, un proyecto web curatorial basado en el concepto de “cadaver exquisito” en el que participan artistas digitales de todo el mundo de forma colaborativa.

Carlos Sáez ha expuesto su obra en The Whitney Museum of American Art (NY), The Museum of Modern Art (NY), MAMCO (Ginebra), Museum of the Moving Image (NY), Untitled Art Fair (Miami), National Portrait Gallery (Londres), The Armory Show (NY), Transfer Gallery (NY), La Térmica (Málaga), Las Naves (Valencia) y Espai Tactel (Valencia).

Carmen Ortiz Blanco

Una obra, intimista, reflexiva, sensible y reductiva.

Tratando de profundizar  en la relación entre filosofía y arte. En las series en que he ido trabajando he buscado darme  respuesta  y abrir preguntas.  “Devenir” “Almas de Mariposa” “Gnomon”  ”Hondas” reflexión en torno a lo que hay más allá el destino,  la transcendencia del ser humano , el tiempo, los actos y las consecuencias….

El  concepto  devenir, habla sobre lo enigmático y el descubrir.  Mis esculturas  que se basan en lo  intelectual, sensible y lo formal, son obras  metafóricas  puertas, construcciones,  que se entreabren  dejándonos  intuir el devenir.   Las obras de algunas series trabajadas en plancha de acero lacada una especie de papiroflexia, en la que, como en proyectos anteriores, cortes  limpios, precisos y sutiles, dobleces, aberturas  dialogan.  Buscando  una sensibilidad distinta  a la frialdad y geometría  rígida. descubrimos que las esculturas arquitecturas,  puertas metafísicas, realizadas en hierro un material extremadamente sólido , indagan en lo incierto, el umbral, lo transcendente.

Christto & Andrew

Christto & Andrew son Christto Sanz (San Juan Puerto Rico, 1985) y Andrew Weir (Johannesburg, Sudáfrica, 1987), un dúo de Artistas Visuales que actualmente viven y trabajan entre Doha, Qatar y Copenhague, Dinamarca.

Diego del Pozo

Diego del Pozo (Valladolid, 1974), Atravesado y agradecido por las corporalidades raras y feministas, produzco imágenes, dispositivos, espacios, objetos… o creo situaciones con procesos colaborativos… 
 
Me movilizan los procesos que cultural y políticamente van dirigidos a que sintamos una determinada emoción, todo aquello que tiene que ver con la programación y estandarización de las emociones en las sociedades actuales. Hago con y a través de las coreografías de gestos, afectos, las economías afectivas del odio, del miedo, del malestar, pero también del erotismo y del deseo… 

Para mi son un motor la ciencia ficción, así como todas aquellas estrategias para experimentar otras formas de ver y cuestionar los parámetros de la visión y las identidades normativas. Impulsado por la crisis sistémica en la que estamos inmersos, trato de producir e imaginar otras plasticidades, otros cuerpos, otras subjetividades y otras formas de estar juntxs con las distintas especies y mundos.   

Fito Conesa

Fito Conesa (Cartagena, España, 1980) es artista, educador y comisario. Vive y trabaja en Barcelona.
'[...] Obsesionado con la comunicación, con lo desconcertante de las segundas lecturas y lo sobre_entendido, me basto con un par de paréntesis y dos acentos divergentes para tricotar un nuevo lenguaje. [...]'.

Michael Roy

El trabajo de Michael Roy (La Rochelle, 1973; vive y trabaja entre Valencia y París) es particularmente el hacer sin hacer: realizar una película sin una cámara, crear una obra de arte a partir de imágenes o textos preexistentes, una ficción basada en otras ficciones. Cruza los universos, compagina universos, nos invita a apropiarnos de sus obras y ficciones con el propósito de dejarnos crear las nuestras. Utiliza la técnica de la cianotipia para realizar fotografías sin cámara y presentar retratos de personas en éxtasis. 

Los antecedentes de las situaciones que nos presenta son imposibles de descifrar, ya que no proporciona ninguna información adicional, sólo podemos imaginar el contexto. 

Mit Borrás

Mit Borrás es un artista trasndisciplinar. Su trabajo trata sobre la idea de Adaptación, es una tesis sobre la relación del ser humano con la naturaleza y el progreso tecnológico. Rica y personal, su obra describe el impacto entre la naturaleza y los deseos del ser humano de alcanzar la prosperidad plena y la trascendencia a partir de su relación mistificada con el progreso y nuestra era digital. A través de su estudio de la ergonomía, envuelve al espectador en un universo propio, un entorno aséptico, blando y una visión ortopédica del futuro en los limites de las fronteras de la bioética, la tecno religión, la ingeniería de objetos y la sexualidad en el diseño de la producción de bienes de consumo.

A través de una descripción holística de la realidad, su trabajo investiga las relaciones de orden simbiótico y naturaleza sintéticas y orgánicas entre la máquina, el cuerpo y la naturaleza. Tanto las instalaciones como el trabajo audiovisual de sus exposiciones involucran el uso de elementos inspirados en prótesis y la ingeniería médica, la industria robótica y la del placer, el autocuidado y la meditación que describe como paradigmas del la sociedad contemporánea cuyo análisis y fines confronta. Crea con ellos entornos inéditos y ambientes delicados como limbos, entornos serenos que remiten a la alta tecnología con materiales flexibles y sensuales, colores suaves y objetos ortopédicos. En su cuerpo de trabajo se establece una percepción taoísta de la realidad y de la singularidad tecnológica. Mit Borrás unifica elementos ancestrales y ficticios que imprimen al corpus de su obra un carácter totémico y un equilibrio entre lo religioso y la era digital, lo inquietantemente confortable y la incertidumbre sobre el futuro. 

Momu & No Es

El trabajo reciente de Momu & No Es gira en torno a la construcción de historias, hábitos y rutinas derivadas de su entorno inmediato. Al cuestionar los roles sociales y modificar las reglas establecidas, proponen otras alternativas posibles, utilizando la ficción y el ingenio para desarrollar una serie de historias, eventos y fábulas que se basan en la era post-Internet. Crean nuevos entornos discursivos en los que mezclan y reinterpretan imaginarios y referencias de la cultura popular.   

En su trabajo, conciben personajes y roles inspirados en personas y entidades que reflejan la trivialidad de nuestro tiempo contemporáneo; cuya neurosis logra escapar de la sociedad y construir realidades paralelas. Su estética se convierte en construcciones y técnicas literarias que originan realidades subjetivas temporales, cuya base es la capacidad de sublimar lo mental de lo cotidiano, cuestionando la verdad absoluta y el amor infinito.   

Momu & No Es extraen, aíslan y agitan crudamente los elementos del sistema creando una violencia absurda que produce una risa nerviosa generada por la tensión. No buscan el humor, sino más bien lo incómodo, lo que les permite lidiar con las complejidades estipuladas del ser humano.

Natacha Lesueur

Natacha Lesueur (Cannes, 1971) Living and working in Paris. She studied at Villa Arson in Nice and made her first solo exhibition in 1996. In 2000, the artist won the Ricard Prize and between 2002-2003, she recieved a residency at the Villa Medici in Rome. She has exhibited in many countries around Europe, USA, Korea and China. Her works can be seen in the most prestigious public and private collections. In 2011 she had her first retrospective at the MAMCO Geneva.

Since the early nineties, the French artist Natacha Lesueur created within her photographs a world eminently enrolled to the time she is conected to without belonging in any moment to long historical journey that seems to portray. For this, Lesueur doesn’t hesitate in using different techniques and ingredients – from any type of food, ornaments, decorations, fantasies and other wonders – that engages parts of the human body to recreate images hardly classifiable in the history of photography. Disgust and a logic seduction emerges at the same time when you see the works. In Natacha’s pieces, violence can be seen coming from a scenography made with clinical precision,we see a deep gap withering these rarely photographed entire bodies that are exposed to an insurmountable quartering: that is their world and their surface. There is also a great technical expertise in the making of each image, an inventiveness that makes to these developed visions a singularity linked to its rarity and its never-failing capacity to surprise: this would be the reason why they belong to a form – the caprice – deeply rooted art and history. About photography and its eminently capricious identity.

Octavi Serra

Octavi Serra (Girona, 1990) es un artista residente en Barcelona que desde hace más de 10 años desarrolla su trabajo artístico a caballo el arte urbano y la fotografía. Ha sido publicado en los principales medios de diseño y arte (MoMA, Designboom, Ignant ...), así como expuesto a Portugal, México, Noruega, Israel formando parte de eventos como la Bienal de Venecia. A lo largo de los años su trabajo ha sido reconocido con premios como varios Laus, Contemporáneos, DME Awards y KREAS.

Actualmente lidera la edición del diario "The postraumático" una editorial autoeditada crítica con los medios convencionales de comunicación, se vende de forma regular en España, Francia, Alemania, Australia y México.

Ovidi Benet

Diseñador de formación y profesión, vive obsesionado con el "interior del objeto", tomándolo como tema central de su propia declaración: el objeto forma el espacio, el espacio es el objeto.

En su obra, busca ese cambio generacional que consiga revivir un espíritu de ruptura, de ruptura con lo establecido, con lo académico. 

El trabajo experimental dentro de este proyecto se describe como la búsqueda de la verdad y la autenticidad utilizando una variedad de materiales y formas.  

Pablo Durango

Pablo Durango investiga sobre las relaciones entre el poder y el lenguaje desde una perspectiva lúdica. En su obra podemos encontrar temas relacionados con la biologías queer, filosofía cyborg o futuros/dimensiones distópicas. Focaliza su interés en la forma en la que se estructura la realidad en una serie de categorías concretas y la consecuente afección producida en los propios cuerpos. La performatividad del cuerpo y su construcción política son temáticas siempre presentes en sus obras, tanto en objetos como en performances.

Pablo propone en sus obras jugar con la especulación, la construcción de una realidad paralela, la fantasía y la ensoñación como formas legítimas de extraer conocimiento y producir sentidos de nuestra realidad. Su producción artística es un portal dimensional donde el lenguaje se vuelve plástico y lo percibido como real o verdadero estalla en infinitas posibilidades formales y conceptuales.

En sus obras lx espectadorx puede encontrar una relación distorsionada con el entorno en cuestión, y a su vez replantearse cómo esto influye en la configuración de su identidad propia. Genera dispositivos, implicando al ojo que mira mediante los afectos y la participación, siendo sus obras únicamente activas cuando el espectador participa con ellas de forma lúdica y colectiva.

Sarah & Charles

Desde hace más de 15 años, Sarah & Charles trabajan en el intersticio entre la realidad y la ficción, construyendo instalaciones inmersivas en las que el espectador es a la vez objeto y sujeto de la producción. Cada exposición o intervención del dúo de artistas bruselenses es un viaje original durante el cual se despliega la sinopsis de una historia situada que se hace más densa a medida que se ejecuta.

Actuando por igual en el campo de las artes visuales, el teatro, el cine, la escenografía y el espacio público, su trabajo es el fruto de las colaboraciones que resultan de las relaciones que establecen con el público y el espacio: exposiciones, escenarios, espacios públicos, etc.

Vicky Uslé

En constante travesía por los códigos de la pintura, la artista Vicky Uslé (Santander, 1981) investiga las posibilidades de la abstracción, su potencial poético así como las interconexiones que está produce en el campo de la plástica y otros lugares, pues su discurso artístico está fuertemente ligado al medio en sí pero es permeable a otras conversaciones.